Retroalimentación

Existe un punto entre tierno y patético entre aquellos treintañeros que pretender ver el mundo como si aún tuvieran 18 años. Si a ello le sumamos unas dosis de endogamia masculina (ya se sabe, “las mujeres nunca entenderán nuestro rollo”) inserta en una enfermiza devoción por los Beatles y el pop británico clásico la cosa puede rayar ya la caricatura. ¿Se imaginan un abogado flequillista y con temor a que sus amigos no aprueben su matrimonio, que acude a los tribunales en un Mini de época con la bandera británica pintada en su techo? Pues ese es Manu, el protagonista de Love Song, el primer volumen de los cuatro que formarán la serie de cómics del dibujante francés Christopher que edita en España Glénat y que pretenden radiografiar el supuesto trauma de superar la treintena. Eso sí, siempre con un sonrisa y toneladas de quiños pop.

Presentados en la portada en un obvio homenaje al Rubber Soul de los Beatles, el grupo de amigos de Manu lo forman un antenista, un policía y un empleado de una funeraria. Ambos regentan The Sleeping Watermelons, un grupo de pop que desde hace 15 años que no les ha llevado a ningún lado y se encuentran en ese punto crucial en el que la madurez los devora a mordiscos. Una madurez que suele llegar mediante los bofetones de sus respectivas parejas. Pongamos un ejemplo ilustrativo. “Pasadlo bien, mi roquero dominguero”, le dice con desdén maternal Emily, la novia de Manu antes de que este acuda a su ensayo dominical. Con carácter previo, le había interrumpido el ritual de escucha del nuevo álbum de Paul McCartney -copa de vino mediante- recordándole que tienen que escoger destino para el viaje de su próxima luna de miel y haciéndole sentir culpable por escaquearse en todo lo referido a la boda. Para compensar, este le muestra la última canción que le ha compuesto. Ella, nada emocionada, le corrige los fallos gramaticales de la letra. También le echa en cara el por qué usa el inglés, siendo el francés un idioma tan bonito. Manu finalmente desiste y se va con sus colegas a tocar las canciones que jamás serán éxitos.

Estas son el tipo de historias que cuenta Love Song. Tituladas cada una de ellas con el nombre de un clásico de los Beatles, hablan, al modo de un Alta Fidelidad a la francesa y un tanto naif, de trabajar para ir tirando en ocupaciones que no exijan mucho compromiso y permitan tiempo libre. Y, luego, buscar siempre en el universo musical (es decir, no solo la música, sino la estética, las conversaciones y los lugares tomados casi como santuarios) un punto de fuga a una vida monótona en la que la chispa se ha diluido hace tiempo. Ver como cierra la tienda de discos de vinilo que había sido el punto de encuentro de tantos años. Comprobar como al concierto del 15 aniversario de la banda apenas va acude público. Notar como esas conversaciones entre si es mejor tándem Lennon/McCartney o Jagger/Richars resuenan a requetesobadas.

Ante ello, solo queda cerrar los ojos y encerrarse en la mitología (Manu le llega a sugerir a su novia como viaje de novios podrían ir a hacer la ruta beatle en Liverpool) o perderse en los paraísos mentales de la infidelidad con alguna de sus atractivas compañeras de trabajo. En algunos caso con escenas absolutamente delirantes, como esa en la se imagina practicando sexo con su jefa y se desconcentra intentando recordar la letra del A Day In a Life. Y, claro, cuando esas fantasías llegan a acariciar la realidad, llega un posterior complejo de culpa no reconocido. Todo hasta que ellas, en este caso la novia de Manu, lo pone en su lugar, es decir en la realidad (”Para mí siempre serás el adolescente que conocí, solo que ahora tienes más pelitos en las orejas y unos cuantos michelines”). Una realidad sin poses ni engaños y totalmente previsible: la de que reconducir al chico aquel, encantador pero con la cabeza llena de pájaros, hacia un hombre de verdad, con el que poder formar una familia. “!Algunas bodas más y me parecer a Ringo Starr!” dice Manu a su pareja en la intimidad. Es fácil imaginar quien –matrimonio religioso mediante- se llevará el gato al agua. Y sin necesidad de peregirnar a Liverpool en busca del santo grial del pop.

Por cierto, aunque sea de un modo bastante dififerente, he aquí una mirada bastante acertada del mareo de pasar los treinta… y acercarse a los cuarenta.

(Una vez más disculpas a los no futboleros, pero hoy la sección de deportes de La Voz se sale)

Cualquiera que haya nacido del 75 para atrás sabrá que esto fue la leche. Pero esto otro lo fue aún más (lástima que no lo haya en video). Solo faltaba que hoy tocase revisar el centenariazo o el gol de Djalminha al Celta en Riazor para que el éxtasis sea completo

Cuando apenas tenía 23 años, el joven Orson Welles puso Estados Unidos patas arriba. De los seis millones de personas que estaban escuchando la dramatización radiofónica de la novela La Guerra de los mundos de H. G. Wells, un millón doscientas mil creyeron que los marcianos habían invadido el país y que había llegado el fin del mundo. Sucedió hace 70 años, el 30 de octubre de 1938. Era la noche de Halloween.

La radio, con un gran realismo, emitía un programa musical ligero y festivo en el que, de pronto, se producían cortes para anunciar una noticia: un objeto extraño se había avistado a las afueras de Nueva York, en una granja de Nueva Jersey. A partir de ahí, científicos intentaban dar una explicación a los hechos, boletines del gobierno confirmaba la invasión, los habitantes de la zona se echaban a la calle en masa y una ensalada de gritos, cortes e informaciones contradictorias se adueñaba de las ondas provocando el pánico. En momento dado, un humo mortífero se extendía por toda la zona. Al final uno de los locutores muere en directo en la azotea de la Radio CBS. La mayor inocentada de la historia de los medios puso en jaque a medio pais.

Con motivo del aniversario, la Fundación Luis Seoane de A Coruña ofrece la oportunidad de revivir el momento dentro de su Mirador Sonoro. «Quien venga a la fundación podrá disfrutar de la grabación del programa en versión original, con la música original y un elenco de actores que luego trabajarían con Welles en películas importantes», comenta Alberto Ruiz de Samaniego, director de la fundación que explica que, a mayores, la exposición contiene varios extras: «Existe la versión traducida en papel, una exposición de 35 fotografías de la época radiofónica de Orson Welles y dos proyecciones no muy conocidas sobre él».

Las dos piezas audiovisuales que complementan la muestra son Orson Welles: El retrato y Around the World with Orson Welles: Saint-Germain-des-Prés. El primero se trata de de un documental del director francés François Reichenbach de 1968, en el que se presenta aspectos de la vida del genial director. El otro es uno de los programas que Welles hizo para televisión en el año 1955, en el que visita París y se introduce en el ambiente bohemio de la época.

Un hito

Alberto Ruiz de Samaniego recuerda lo que supuso la emisión del programa:«Es una referencia en la historia de la radio porque provocó el pánico con la huida de miles de americanos de sus casas. Marcó un antes y un después en el mundo de la radio y de los medios en general. Desde entonces, los ciudadanos perdieron la inocencia respecto a los medios de comunicación».

Gracias a La Guerra de los mundos Welles, que hasta entonces era un director conocido en los círculos neoyorkinos de teatro, dio el salto a Hollywood y se convirtió en el mito que es a día de hoy. Quienes deseen recordar la chispa inicial, solo tienen que acercarse a la Fundación Luis Seoane durante este mes de diciembre. Allí de manera continua, y ayudado por el silencio, se están emitiendo los sesenta minutos de duración de la cinta, con la posibilidad de seguir el programa con al traducción en castellano. Una experiencia muy recomendable.

De cualquier modo, también existe la versión casera:

Grabación del programa original
Retransmisión de RNE-3 con motivo del 70 aniversario

En este blog ya se había reivindicado a Pamela Anderson como uno de los grandes iconos pop de las dos úlitimas décadas . Ella, ahora transformada en La Mujer Invisible dentro de Superhero Movie para redondear más la idea, piensa lo mismo en una de las mejores páginas de la historia del suplemento Fugas de La Voz. Se publicó el pasado viernes así: pamela.pdf

Los pamelistas del mundo le damos totalmente la razón. Otros esperarán 20 años para reivindicarla.

Un fragmento de la película en el que sale Pamela Anderson

“Yo sigo pensando que la mujer perfecta es Pamela Anderson” (Alaska)

Pocas cosas resultan menos cool que revindicar públicamente en 2008 a Pamela Anderson. En un terreno como el del pop, general abonado a la languidez, lo andrógino y hasta lo asexuado, un modelo de mujer como el propuesto por ella tiene todas las de perder. Al menos de cara al exterior.

Explosiva, neumática y carnal con ella pasa un poco lo que con Kylie Minogue. Cada una en su historia particular, claro está. Si en la australiana parece que alguien ha juntado todos los ingredientes para hacer la muñeca pop perfecta, con Pamela Anderson semeja que desde un ordenador se han lanzado todas las directrices para crear el mito sexual definitivo. Ambas, que ya superan la cuarentena, de tan plásticas podrían ser de dibujos animados. Y ambas simbolizan, a su manera, un icono de la cultura popular que ya ha quedado congelado ya para la eternidad como un modelo.

Respecto a Pamela existen muchas conexiones con el rock, innumerables. Quedémonos con una. Lit es uno de esos grupos americanos que tanto gustan en la MTV totalmente prescindibles, pero de su tema Miserable, han rodado uno de los video-clips más divertidos que se hayan hecho nunca. ¡Cuántos quisieran poder rodarlo! En él, la banda se pasea por una Pamela Anderson gigante que empieza pareciendo Gulliver y termina por ser King Kong. El vídeo es este:

Pero la actualidad tiene noticias. Pam, que ahora vuelve a vivir con Tommy Lee (aunque especifican que solo son amigos), le tiran los reallity shows, hasta tal punto de que va a grabar el suyo propio Pam: Girl on the Loose.: ocho días de la vida diaria de Pam para su posterior emísión en televisión.

Sobre ello dijo: “Uno hace las cosas y no sabe exactamente por qué las hace hasta el final… Sólo sé que soy una exhibicionista. Algunas personas temen que las encuentren. Yo temo no ser encontrada. Es una de esas oportunidades raras y es un acuerdo increíble”.

Gracias Iker

(Disculpen los no futboleros, pero algunos llevamos esperando esto desde 1994)

En la interesante entrevista con Nicholas Penny, director de la National Gallery de Londres, publicada ayer en El Pais, dos perlas relucen poderosamente en estos tiempos de posmodernidad, culto a la juventud, hibridación y todo vale. Bien valen una reflexión:

“No tengo ningún interés en hacer de la National Gallery un lugar popular entre los jóvenes. Si les gusta a ellos sólo habrá gente joven. El sector social más elitista de hoy son los jóvenes. Excluyen todo lo que no sea como ellos. No quiero que la National Gallery se convierta en uno de sus clubes. Los que entren deben desear formarse. Los museos son fuente de conocimiento. No de espectáculo”.

“Es fácil hacer que otro tipo de visitante venga a los museos. Sólo tienes que organizar un concierto pop en medio del museo. La gente vendría. ¿Pero se quedarían después?”

(texto escrito originalmente para el periódico)

El cortometraje de animación O fabricante de ás de bolboreta dirigido por Daniel Abalo (O Grove, 1981) ha sido elegido finalista en la novena edición del Festival Internacional de Cortos FIB. Se trata de un certámen que se desarrolla en la localidad de Benicassim (Castellón) paralelo de las actividades musicales del FIB, el gran evento de referencia del panorama indie español, que se celebrará del 19 al 22 del próximo mes de julio.

La pieza con la que participa Abalo, es una pequeña historia de animación digital cuyo origen radica en un tema del grupo zaragozano El Niño Gusano titulada El fabricante de alas de mariposa. «É unha das miñas cancións favoritas — explica el autor— e cada vez que a escoitaba deixábame levar pola música e a letra, e imaxinábame quen sería ese fabricante de ás, onde viviría, se tería familia e que o levou a fabricar ás de bolboretas. Co meu corto dou a miña versión, e fago unha pequena homenaxe a ese gran grupo que foi El Niño Gusano».

En la historia Abalo, además del gusto musical, vuelca su idealismo en el mesaje: «Gústame pensar que se hai algo no que crees, e o intentas con todas as túas forzas sempre o podes conseguir, non hai nada imposible». De todas maneras, ello lo plantea como un punto de partida: «O que realmente me gusta desta curta, é pensar que cada un lle busca un significado a historia, e sorpréndeme ver como moita xente me da a súa opinión sobre a historia, que non ten nada que ver co que eu tiña en mente, pero que podería ser o significado».

Segunda vez
La conexión musical del corto de Dabiel Abalo no es accidental, ni esta es la primera vez que acude al FIB. El autor se ocupa de la batería la banda de indie-pop Nadadora, que formó parte del cartel del festival en la edición de 2005. El guión del corto correspondió a Gonzalo Abalo, su hermano, que también milita en la banda como cantante y guitarrista: «A súa axuda foi fundamnetal para darlle forma a historia que eu quería plasmar».

Esta noticia no hace sino confirmar el buen momento de la animación en Galicia. Abalo hace una radiografía: «Temos a duas empresas pioneiras en europa coma son Bren e Dygra, creaccións individuais coma pode ser De profundis de Miguel Anxo Prado e algúns masters en creaccións audiovisuais que imparten nas universidades galegas». De cualquier modo matiza el optimismo: «No mundo do audiovisual non se pode falar moito do futuro, porque este depende de demasiadas variables, que non sempre estan na túa man».

Hay quien piensa que en el pop se puede encontrar el más certero y mejor retrato de la sociedad occidental del siglo XX. Ahora, por ejemplo, que estamos en pleno aniversario de Mayo del 68 solo hace falta evocar canciones como Revolution de The Beatles o Street Fighting Man de los Rolling Stones para dar o quitar razones a aquellos que lo sostienen. Pero también hay otras facetas del pop que documentan eras y momentos con precisión, pero una precisión al alcance de cualquiera. De ahí la magia, eso que convirtió al pop en la forma de arte más democrática de todas. La que todo el mundo entiende.

Miren arriba. Se trata de un collage de Robert Ruschenberg, uno de los pioneros del pop-art, fallecido ayer a los 83 años. Su contemplación da (o puede dar) pleno sentido a lo antedicho. Ahí están los años sesenta de EE.UU. convertidos en pequeños iconos reunidos, sucediéndose, un poco entre el héroe del cómic o el retrato de una estrella de cine. Es solo una muestra de una obra amplia y muy influyente (hay cosas suyas que pasaría por diseño grafico actual), pero cuya visión en profundidad se le escapa a este blog, que solo pretende alimentar la curiosidad de los demás,… con la propia.

Eso sí, como siempre, quedan invitados a explayarse en los comentarios.

Aparte de sus amoríos (el último es el guitarrista de The Kills, Jaime Hince con el que, al parecer, se va a casar), la conexión de Kate Moss con el mundo del rock es constante. Y muy, muy especial. Porque, del mismo modo que hace en la pasarela, el empuje de Kate viene a ser algo así como una fuerza animal que, en el territorio rocanrolero, se mueve como pez en al agua. ¿Llega la palabra carisma para definir lo que desprende? Mucho nos tememos que no.

Aunque todo el mundo asocie los lazos con The Libertines y Pete Doherty, existe un precedente muchísimo más trascendente. Nos trasladamos a 2002, cuando Bobby Guillespie, el erudito líder de Primal Scream que siempre tiene un pie en el pasado y otro en el presente, vio la jugada maestra: recuperar el clásico Some Velvet Morning de Lee Hazelwood y Nancy Sinatra y darle una vuelta de tuerca en clave electro-rock. Como ya antes la habían hecho los shoegazers Slowdive, Guillespie ya conocía el potencial atmosférico de la pieza, pero la apuesta de su revisión fue sencillamente genial. Pese a ello, curiosamente, fuera del círculo musical, apenas ha tenido repercusión, pese a tener todas las bazas para ello.

Lejos del grave recitar de Hazelwood, él la sostiene en un falsete funky que casa a la perfección con la rítmica tensa de la pieza, pero el concurso de la modelo Kate Moss se convierte en un cegador foco de luz. El susurro a lo Jane Birkin de ésta es sencillamente irresistible y el cambio de voces, con los arreglos del tema, hace saltar todas las alarmas por su tórrida atmósfera sexual. Rock n´roll en el siglo XXI, que si cae a las 5 de la mañana en una discoteca se convierte en puro fuego

Y luego, claro, el video, ese video tan adictivo. Tanto poderío parece que se vaya a desbordar por la pantalla. De verdad. Deléitense una vez más.