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Archivo para Marzo, 2011

Una apisonadora de thrash metal

Jueves, Marzo 31st, 2011

Slayer + Megadeth
A Coruña, Coliseo, 29-2-2011

Debido al uso y el abuso, las frases hechas pierden el poco significado que generalmente tienen. La que en las crónicas de los conciertos dice que un grupo «hizo temblar» el recinto en el que tocó es una de las que menos contenido tienen. El martes en A Coruña recobró el significado. Lejos de la hipérbole, Slayer menearon completamente le Coliseo con su apisonadora de thrash-metal. Desde el primer minuto, con World Painted Blood la sacudida fue tal que literalmente «hizo temblar» el multiusos coruñés.

El mérito recae en el volumen —muy superior del que tuvieron Megadeth, una hora antes— pero, sobre todo, en Dave Lombardo, un batería superdotado que ofreció una lección magistral en el uso del doble bombo. Comandó a la banda que, durante una hora y pico, sonó como una metralleta disparando desde diferentes puntos de su discografía.

De War Ensemble a Americon, pasando por la dupla de Raining Blood y Black Magic, la masa sonora de Slayer -física, sintiéndose en el pecho- fue sencillamente una de las exhibiciones de poderío y precisión más impresionantes de un grupo que se hayan podido escuchar por estos lares. Tan demoledor que al terminar el concierto, ya casi nadie pidió el bis. El público estaba totalmente exhausto.

A su lado lo de Megadeth quedó algo descompensado en el recuerdo. Aún sin la pegada de la banda de Kerry King, los chicos de Dave Mustaine ofrecieron un gran recital con momentos para el recuerdo como la tralla de Head Crusher, le tensión y explosión de la magnífica Peace Sells y, muy especialmente, la afilada Holly Wars, que cerró su actuación mostrando las uñas.
Imagen de previsualización de YouTubeSlayer atacando “Raining Blood”

Magia con interrupciones

Lunes, Marzo 28th, 2011

Cristina Rosenvinge
Sala Le Club, A Coruña, 25-3-2011

Junto a lo del músico-que-va-como-dj, el gran bluff de la década pasada fue la moda de los conciertos acústicos y/o mínimos. De pronto, amparados en las supuestas excelencias de las desnudez, los escenarios españoles se llenaron de artistas que se mostraban a su público sin banda. Con una sola guitarra y su repertorio, se vendía como concierto excepcional lo que en realidad era, en la mayoría de los casos, una actuación capada que difícilmente aguantaba el formato más allá de 3 o 4 canciones. Y todo por una única razón: al igual que lo del músico-dj, resultaba más económico traer a una sola persona o dos a tocar, que hacerlo con un una banda al completo, con su técnico y toda la parafernalia. El resultado deparaba alguna sorpresa agradable (por ejemplo, la trabajadísima vuelta de tuerca a la que Jeff Tweddy somete a sus temas en clave acústica), pero en general conducían hacía la frustración del público, que se “imaginaba” la carne instrumental que, en condiciones normales, cubriría esos esqueletos sonoros.

Algo de eso ocurrió e la visita de Cristina Rosenvinge a Le Club, el pasado viernes. Al contrario de su actuación del 2006 (en formato trío, mínimo pero suficiente), esta vez lo hizo acompañada solo de Charlie Bautista. Ella se alternaba guitarra y piano. Él la completaba con otra guitarra y coros. Y tal desnudez en sus canciones puso en evidencia la primera parte del concierto que, si bien arrancó prometedor con Jorge y yo, empezó a mostrar demasiadas carencias en Nuestra casa y Negro Cinturón. Como si no respirasen dentro de ese modelo, se mostraron rutinarias y algo torpes, pendientes de esa trabajada vuelta de tuerca a la que se hacía mención antes. Poco a poco, iba quedando claro que la magia que acompañó a Cristina en aquel pase del Mardi Gras no se iba a conjurar en esta ocasión, al menos no en la misma medida.

Sí, porque a medida que avanzó el concierto y se sucedieron sus canciones más redondas, la actuación fue recuperando brío. Hablamos de A Liar To Love, el único tema rescatado de su paréntesis en inglés, y que recordó la excelencia de aquella etapa en la que tanto remitía a Nico. También de Weekend, con sus versos post-relación cantados por la audiencia con una sonrisa de oreja a oreja. Y, cómo no, esa maravilla titulada La distancia adecuada, posiblemente la mejor canción de su carrera, tan, tan buena que aguantaría incluso una interpretación a capella.

Por eso, al final Rosenvinge terminó triunfando, pese a todo. Hasta el punto de ofrecer un bis, retirarse y tener que volver al escenario cuando ya sonaba música en la sala y se habían encendido las luces. Todo, porque el público no se quería ir, como cuando los bises recobran su razón de ser. Encantadora, se sentó al ladito del público y, como quien da un regalo, rescató un No lloro por ti que endulzó completamente una noche que, si bien fue un poco a trompicones, terminó por engatusar. Aunque no lo suficiente como para olvidar que la otra vez que estuvo aquí gustó más, tanto por instrumentación como por repertorio.

La última pinchada de Juanjo

Viernes, Marzo 25th, 2011

No eran buenos tiempos para el indie a mediados de los noventa en una ciudad como A Coruña. La sombra de los Eskizos aún era muy alargada y su descendencia proyectaba garage en todas y cada una de sus sufridas variantes. No solo se imponía el retrovisor y lo abiertamente retro, sino que en el ambiente alternativo flotaba una sensación de rechazo frontal hacia bandas como Los Planetas, símbolo máximo de la explosión que estaba viviendo España por aquel entonces. Los pocos fans del indie, sin embargo, fueron en aumento, encontrando pequeños desahogos. Algún tema de Sugar que pinchaban en Punto 3, el disco de los Stone Roses de sonaba a veces en el Fun House, los tímidos arranques del trip-hop en el Superfly. Todo hasta hasta que, en 1995, un estudiante de Filología tomó las riendas musicales del Patachim de la calle Orillamar y, poco a poco, creó un auténtico paraíso para los amantes del pop.

Hablamos de Juanjo, o J.J. como lo anuncian en el facebook del 14!, el local en el que pincha desde hace unos años y que voy acogerá su última sesión. Sí, el pincha que dio forma al ambiente indie de la ciudad cuelga los cascos y deja la cabina para siempre. Atrás quedan noches y noches de pop y la emoción, compartida por decenas de personas allá por finales de lo noventa, de haber comandado una efervescencia musical que cambió la ciudad para siempre. Y todo sin habérselo propuesto. En un abrir y cerrar de ojos un sitio como el Patachim, de litros de cerveza y apalanque, se transformó en una locura colectiva de chicas y chicos subidos encima de las mesas bailando; en J de Los Planetas en el local tomándose unas copas y parte de la escena garagera reconvertida al indie sumándose a la fiesta; en viajes organizados el FIB para ver a Pj Harvey y Pulp y encendidas polémicas fanzineras con los grupos locales. Pero, sobre todo, se convirtió en un edén de música, de la mejor que se haya escuchado en A Coruña nunca.

Canciones como (y ahí va un hipotético top-10) Tom Courtenay (Yo La Tengo), Un buen día (Los Planetas), Ain´t That Enough (Teenage Fanclub), Sometimes Allways (Jesus and Mary Chain), Magic (Chucho), Get Me Away From Here, I’m Dying (Belle & Sebastian), Mersey Paradise (The Stone Roses), There Is A Light Thet Never Goes Out (The Smiths), Friday I’m In Love (The Cure) o 66 (The Afghan Whigs) sonarán a Patachim y a 14! toda la vida. Y eso es lo mejor que se le puede decir a un pincha que se jubila definitivamente.

No teman, la cabina queda en buenas manos. Hangtheguille, uno de los habituales de la casa, será el dj residente los sábados. Los viernes se los turnarán diferentes pinchas seleccionados por Xavi, el encargado del local. Pero para eso ya habrá tiempo. Hoy viernes toca la última pinchada. Y, aunque algunos trabajemos mañana, no podremos resistirnos a ir por allí, aunque solo sea unos minutos. Será nuestro modo de agradecer a Juanjo los servicios prestados.

El secreto de una canción de amor

Lunes, Marzo 21st, 2011

“En mis canciones de amor trato de capturar ese calor que te sube por el pecho hacia las mejillas y que produce un cosquilleo en la nuca. Entonces, hay que traducir eso a una melodía, ensayar una y otra vez con la banda y no dejar que el productor lo joda todo. Cuando llegas al final del proceso y conservas el ochenta por ciento de esa euforia significa que has hecho un gran trabajo”

John Squire (The Stone Roses) *

*en una entrevista hecha por Víctor Lenore y publicada en la revista Factory 9, en enero de 1996

Radiohead “The King Of Limbs” (2011)

Viernes, Marzo 18th, 2011

Radiohead llevan tiempo poniendo demasiados árboles delante del bosque. Su interesado jugueteo con la industria (ahora saco el disco a la voluntad por Internet, ahora cobro un fijo, ahora lo lanzo en una edición física deluxe…y con todo logro publicidad gratuita) lleva consigo una consecuencia fatal: que lo importante, su música, pase a un plano secundario en medio de tanto titular. Se supone que los de Oxford la hacen buena, arriesgada y de calidad, pero hoy en día semeja más importante qué nuevo regate le van a dar al mundo de la edición musical, que saber si su nueva colección de canciones puede mirar a la cara sin ruborizarse a Ok Computer o Kid A

Para quienes esto interese cabe decir que no, que The King Of Limbs no alcanza ese grado de excelencia de sus dos grandes obras maestras. Más bien se sitúa unos grados por debajo de la (notable) línea de In Rainbows, su predecesor, y ofrece una nueva ración de esa mezcolanza de electrónica warpiana, devaneos jazzies, momentos atmosféricos y falsetes eternos marca de la casa. Como ganchos pop ejercen Lotus Flower -el particular Idioteque de este disco- y Little By Little. La primera, un acierto que en manos de un buen remezclador podría convertirse en un hit de discoteca. La segunda, de aires arábicos se pierde, sin embargo, en una indefinición que no llega a ningún lado. 

Es quizá junto al instrumental Feral el único pero de un disco que, aunque arranca atractivo con la rítmica quebrada de Bloom, alcanza sus vueltos más altos en su segunda parte. Con la citada Lotus Flower ejerciendo de antesala, Codex y Give Up The Ghost, rebajan el crepitar electrónico e invitan al oyente a penetrar en el mundo narcótico e irreal de Radiohead, ese que se aparta de todo y que con pulso parsimonioso deja que la voz de Thom Yorke se deslice por la fibra sensible del oyente.

Todo antes de ponerle el cierre con Separator, con un ligero aroma a los U2 de los primeros noventa, cuando Bono y sus chicos eran exactamente lo que Radiohead son hoy en dia: una de las mejores y más relevantes bandas de rock del planeta. Quedarse en la anécdota de cómo lanzan sus trabajos sería todo un despropósito.

La Viuda vuelve por segunda vez

Jueves, Marzo 17th, 2011

Los arqueólogos del rock coruñés cuentan con una nueva pieza a explorar. El que fuera batería de Viuda Gómez e Hijos, Dani Navarro, más conocido por Dani Puntas, acaba de editar un cedé con 20 temas que recoge las demos del grupo grabadas en 1984 y 1985, junto al material de 1982 lanzado en 2007 por El Beasto dentro el doble single La viuda está de vuelta. El disco, que se titula No somos pobres viudas, sino viudas pobres, nace de la voluntad completista de Dani. “Me parecía una pena que quedasen en el olvido, porque creo que suenan bastante bien, mucho mejor que el disco que sacamos con El Beasto”, comenta.

El cedé no pretende engañar a nadie. Por ello cuenta con una presentación deliberadamente austera, realizada con rotuladores y un recorta y pega totalmente artesanal. “No quería que el envoltorio fuera superior al contenido, porque esto son simplemente maquetas grabadas con los medios de la época, que ahora hemos remasterizado para la ocasión. Es decir, no son másteres ni nada”, precisa Dani que reflexiona sobre el valor del documento: “Se incluyen tres temas totalmente inéditos, Domingo gris, Algún día y El bailongo bullanga y, luego, versiones muy diferentes. Pero, sobre todo, el oyente podrá encontrar a unos Viuda Gómez e Hijos más serios. Fueron los siete temas que sedujeron a Fonomusic para el minilepé Completamente. Para mí esto es como echar para fuera todo lo de Viuda”.

Dani se refiere a la maqueta de 1985. “La grabamos en un chalé de Sada con un ocho pistas de cinta abierta. Están dobladas las percusiones, hay cajas rumberas, panderetas… de todo – señala-. Quizá la voz podría estar algo mejor. Se trataba de pasar nuestro pasado punk por la trituradora pop, con guitarras muy limpias”. Y, efectivamente, lo que se puede encontrar ahí son relecturas de clásicos de la bandas como Funeraria Riazor o La gorra de guardavías interpretabas de un modo más claro y menos veloz, pero con el descaro que luego se plasmaría en la célebre Solución suicida, la canción más conocida del grupo. “En ese momento, justo antes de fichar con Fonomusic, pensábamos que teníamos posibilidades de hacer algo importante con el grupo, de entrar entre los 100 primeros o estar entre los 500 grupos que mencionaba Ordovás”, confiesa Dani.

Junto a este material se incluye la demo del 1984, a medio camino entre el punk hiperveloz que mostraban en 1982 y la evolución posterior hacia un terreno más pop-rock. “Esta fue produccida por Alberto Torrado, bajista de Siniestro Total, en los estudios Trak de Madrid. Eran cuatro temas pensados para salir en un maxisingle con Gasa. Antón Reixa y Torrado nos había dado una dirección de Gasa para ir a hablar con Cristina de Los Esclarecidos y su marido Alfonso. Lo que pasa es que no llegué a encontrar las oficinas. Fui a Madrid, pero me perdí sin llegar nunca a hablar con ellos”, se ríe Dani. Aún así, considera que no hubiesen llegado muy lejos de haberse materializado el fichaje: “Gasa entonces tenía docenas de grupos y seguramente no nos prestaría mucha atención. Al contrario de Fonomusic, que nos dio una distribución muy buena”.

¿Y qué fue lo que falló entonces para no ir más allá de Completamente? “Bueno, en el año 90 Fonomusic nos dio la carta libre”, recuerda Dani que entona un mea culpa colectivo: “Teníamos siete temas para un nuevo disco. Uno hablaba de palomas que mataba una peluquera con un peine de cardar en un parque, otra hablaba de un piloto suicida… El sello decidió rescindirnos el contrato en vista de lo que había y de la poca seriedad del grupo”. Sin embargo, el recuerdo sigue vivo y las espinas aún clavadas. Una particularmente curiosa: “Me gustaría poder hacer una nueva versión de Solución suicida, pero que diga Solución sentido”.

*El disco se vende en la tienda Fans de A Coruña (calle Republica Dominicana, 27 ) y, próximamente, a través del Facebook y el Myspace de la banda

El destino final de los polémicos 30.000 euros de Amaral

Martes, Marzo 15th, 2011

Lo apunta un lector en los comentarios de la entrada anterior. Amaral han donado los 30.000 euros del Premio Nacional de las Músicas Actuales que lograron el año pasado a la Fundación Vicente Ferrer. Así lo recoge el Facebook de la institución.

En su día en este blog se criticó duramente la existencia del citado galardón, el obsceno despilfarro de dinero que suponía y el hecho de que este fuera entregado a una banda como Amaral, sita a años luz del supuesto carácter renovador dentro del pop nacional al que se aludió como mérito para recibirlo. Entonces se instaba, desde aquí, al grupo a hacerle un feo al Ministerio de Cultura, devolviendo el dinero e invitando a la Ángeles González Sinde a dirigirlo hacia algo más sensato. No fue así. Es más, el grupo siempre se mostró muy agradecido por ello y, en sus comparecencias públicas al respecto, nunca mostró el más mínimo atisbo de crítica. Pero, a nivel interno, sin embargo, sí que hubo reacción. Juan Aguirre y Eva Amaral parece que tenían claro que, pese a que no iban a rechazar públicamente el premio, tampoco se iban a quedar con la cuantía económica de este. Ahora, cinco meses después, ha trascendido el destino final del dinero.

No ha sido el portazo que, a mi juicio, el Ministerio se merecía (y que, a la larga, a Amaral seguramente le costaría mucho más de 30.000 euros). Pero tampoco el “toma el dinero, corre y mira para otro lado” que se auguró aquí. Más bien se ha revelado como algo intermedio: darle la mejor salida posible a un despropósito evitando generar otra nueva polémica. Al final, ese dinero se destinará a proyectos benéficos. Teniendo en cuenta el revuelo que se generó en estas páginas, es de justicia ahora indicar cómo se resolvió el tema con el mismo altavoz que se empleó en su día para criticarlo.

Es de esperar que el volumen sea el adecuado.

Mano de Obra no quieren tu dinero

Domingo, Marzo 13th, 2011

Vuelve la música a la sección emergentes de la edición coruñesa de La Voz. Los protagonistas en esta ocasión son Mano de Obra, un trío enamorado del sonido grisáceo de cierto tecno-pop español de los ochenta y que lo revisan con tino. Por ahora, tienen una maqueta que se puede escuchar/descargar aquí y un montón de cosas que nos cuentan en este reportaje.
Imagen de previsualización de YouTubeVídeo de una actuación del grupo

El Sónar Galicia ofrece otro avance de su programación

Viernes, Marzo 11th, 2011

Pese a la suspensión de la rueda de prensa prevista para hoy, la organización del Sónar-Galicia ya ha hecho pública una nueva remesa de artistas: Shackleton, James Holden y The Gaslamp Killer, entre otros, se suman a la programación. Más información aquí. La lista completa de artistas se puede consultar aquí.

PJ Harvey “Let England Shake” (Island, 2011)

Jueves, Marzo 10th, 2011

PJ Harvey ha abierto un paréntesis. Con Let England Shake deja apartada la exploración interior para intentar radiografiar el estado de su nación, Inglaterra, y la causas de su espíritu guerrero. Ahora Polly nos lleva a una primera persona colectiva que traza, canción a canción, un recorrido que va desde la batalla de Galípoli de 1915 a la actual intervención en Afganistán de las tropas de su país. Para ello, la artista ha optado por un sonido con intenciones de atemporalidad. Grabado en una iglesia del siglo XIX de Dorset, su pueblo, con el círculo de músicos de su confianza (Mick Harvey, John Parish) y su productor estrella (Flood), el nuevo trabajo de PJ Harvey recoge el testigo donde lo dejó White Chalk (2007). Y lo abre en una fascinante amalgama de formas y estilos.

Aún estando lejos del corte unitario de su predecesor, sí que se perciben las mismas desviaciones de folk fantasmal en cortes como Hanging In The Wire. También las atmósferas vaporosas, que parecen musicar el sonido mismo del humo saliendo del hielo y miran de reojo al ambient-pop de los ochenta. Ahí está la influencia de Cocteau Twins en piezas como la titular Let England Shake, Written On The Forehead o The Words That Maketh. Y, cómo no, también hay recordatorios a su sonido de siempre, bien en su vertiente de rock al ralentí (The Last Living Rose ) o de folk desgarrado ( England ). Todo para dar forma a otro álbum excelente que revalida a PJ Harvey como una figura sin parangón en la actualidad.

Siempre necesaria, Polly ofrece una nueva lección maestra. Desde ya, este es uno de los grandes discos del 2011.
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