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Archivo para noviembre, 2008

Pamela Anderson y la cultura pop

sábado, noviembre 29th, 2008

En este blog ya se había reivindicado a Pamela Anderson como uno de los grandes iconos pop de las dos úlitimas décadas . Ella, ahora transformada en La Mujer Invisible dentro de Superhero Movie para redondear más la idea, piensa lo mismo en una de las mejores páginas de la historia del suplemento Fugas de La Voz. Se publicó el pasado viernes así: pamela.pdf

Los pamelistas del mundo le damos totalmente la razón. Otros esperarán 20 años para reivindicarla.


Un fragmento de la película en el que sale Pamela Anderson

Dorian: “Planteábamos los conciertos como si fuera una gran fiesta de cumpleaños”

viernes, noviembre 28th, 2008

El último concierto de la gira de El Futuro no es de nadie de los catalanes Dorian tendrá lugar dentro del festival Mulleres Arte+Parte en A Coruña. Realmente se trata de un parón en la grabación de su tercer álbum, en el que subirán al escenario con el repertorio con el que llevan girando dos intensos años por todos los rincones del país. Una nueva oportunidad para disfrutar de canciones como Te echamos de menos, A cualquier otra parte y tantas otras que los han convertido en un referente del nuevo pop español.

Como la cosa va de reivindicación de la mujer en la música, es Belly, la teclista, quien contesta la entrevista. Empezando por el sentido mismo del propio festival

-Participan en el festival Mulleres Arte+Parte, un evento que revindica el papel activo de la mujer dentro de la creación, frente a la cosificación de esta. ¿Se siente identificada con esta idea?

-Yo, personalmente, nunca me he sentido discriminada en el mundo de la música, pero sí que creo que el rol de la mujer está muy determinado y que se tienen animar las chicas a hacer arte. Porque sí que es cierto que en el mundo de la música somos pocas chicas y no creo que sea porque tengamos menos cualidades para hacerla, sino porque culturalmente las mujeres se encaminaron a otro tipo de cosas. Pienso que para muchos la idea de lo que puede hacer una mujer está muy limitada. Todavía se ven muchas actitudes en las que se prefieren a las mujeres para ir guapas, para ser preciosas y para ese tipo de cosas para los que se supone que son buenas como, por ejemplo, la decoración o el gusto estético. Muchas veces se olvidan que una mujer puede escribir, puede hacer música, puede hacer muchas otras cosas. No está mal insistir un poco en esto, aunque a mí no me gusta mucho hacer separaciones, porque lo que se hace con ello es incidir más en esta diferencia.

-Cuando editaron “10.000 Metrópolis”, su primer álbum, Marc, el cantante, decía que su deseo era situar a Dorian en una división intermedia entre la escena independiente y lo comercial, en donde se pudiera acceder a todo tipo de público, pero preservando los planteamientos del indie, para manejar totalmente la obra sin interferencias. Si no están en este punto, parece que les falta poco. ¿Cómo lo ven ustedes?

-Yo creo que estamos en el punto intermedio perfecto. La verdad es que estoy muy contenta porque estamos demostrando que nuestra música puede llegar a mucha gente, no solo al círculo de gente que escucha buena música. Y es que la buena música debería de ser capaz de llegar a todo el mundo y nosotros lo hemos conseguido. Nuestro público no se reduce solo a la gente que va a los festivales y a mí eso me parece súper bonito. Por otro lado, somos independientes, porque podemos hacer lo que nos de la gana, porque estamos en un sello discográfico donde podemos elegir la música que queremos hacer, la portada que deseamos… Tenemos un equipo de gente a la que les importa la música por encima de todo y no nos trata como un producto. Es algo que a priori puede parecer muy sensato y lógico, pero no lo es. Hemos tenido contacto con las multinacionales por ejemplo y hemos visto que esa es una parte de la música a la que no queremos pertenecer. No queremos nada que ver con ese mundo en el que te tratan como si fueras un número más. Ahora creo que nos encontramos en una posición de sueño: podemos hacer lo que queremos y, al tiempo, tenemos un público que nos sigue, un público fiel, que espera nuestras canciones y todo lo que hacemos. Es brutal y estamos súper contentos.

-En ese sentido, el salto de calidad lo dio una canción, “A Cualquier otra parte”. Se trata de un tema al que difícilmente se le puede criticar, porque es una canción prácticamente perfecta. ¿Qué significa para ustedes?

-Fue una sorpresa. La verdad es que fue una canción que salió casi sin querer y, cuando presentamos el disco y teníamos que anunciar un single, la elegimos entre muchas otras. Nadie pensó que esta canción iba a destacar de esa manera. Era un tema muy bonito, pero no sabíamos lo que luego iba a pasar con ella. Fue algo alucinante y muy bonito, porque ha significado la posibilidad de llegar a otra gente diferente a la que escuchan este tipo de música e, incluso, introducir a esas personas que no escuchan estas cosas dentro de una escena de grupos que ni imaginaban. Nos ha pasado con Fly Music cuando ponían nuestro video. Gracias a esa canal llegamos a un público joven que no sabía ni que existía este tipo de música, porque no hay medios de difusión para ello. Gracias a esta canción supieron luego de otros grupos como, yo qué sé, Vetusta Morla, Sidonie o La Habitación Roja, y luego se enganchan a ellos, van a conciertos… Es brutal.

-La canción es muy emotiva y se ha convertido en un himno para mucha gente. Imagino que les habrán llegado mil historias relacionadas con ella y lo que significa para sus seguidores.

-Sí, es una avalancha la de mensajes que hemos recibo. Son cosas de echarse a llorar. Personas que se han enamorado, madres que se la cantan a sus hijos, hemos llegado a ver a gente llorar en los conciertos, que luego han venido a nosotros. Es muy fuerte ver como una canción puede penetrar dentro de la vida de una persona así, y ser tan importante. Te puedo asegurar que ya nos podemos morir tranquilos tras haber hecho esta canción [risas]. De todos modos reconozco que, últimamente, ya me cabrea un poco, porque sobre todo en los últimos conciertos se nota que cuando llega esta canción es exagerada la reacción de la gente en comparación con las demás. Que queda claro que no somos un grupo de una sola canción, tenemos muchas otras y que están muy bien.

-Es una canción que suena muy fresca novedosa, totalmente del 2008. ¿No les sigue sonando rara al público de pongamos Pignoise o El Canto del Loco?

-Bueno, tampoco tocamos ese ámbito. No pertenecemos a ese público, siempre nos ve raros y nos verá raros toda su vida. Nosotros no vamos a cambiar.


Dorian en el Fib 07

-Conciben los directos de un modo muy marcado, con su puesta en escena y los tempos muy calculados, como una sesión de un DJ. ¿Cuándo vieron que había que tirar por ese camino?

-Nos planteamos cambiar el directo a media de que hacíamos conciertos. La gente venía como mucha marcha, muy a darlo todo y nosotros empezamos a meter canciones más intensas, más pensadas en poder colaborar con el público, para que fuera todo más interactivo. Planteábamos los conciertos como si fuera una gran fiesta de cumpleaños, en la que la gente lo pasara bien. Los directos tienen que ser así, muy emocionantes.

-En ese aspecto, se nota un cierto cambio en muchos grupos venidos del indie, como Facto Delafé o ustedes, en esa actitud de conectar con el público. En el indie eso no estaba muy bien visto, considerándose algo populista y que no venía a cuento. ¿Lo perciben?

-La comunidad indie se ha ampliado y ya no es tan especializada. Antes eran cuatro personas que sabían mucho de música, muy entendidas. Ahora hay gente a la que le gusta Facto Delafé, por ejemplo, que tiene un público muy heterogéneo y muy parecido al nuestro, en el que hay gente que entiende mucho y otra no tanto. La actitud la verdad es que es más popular, más de pasárselo bien. Sí que es verdad.

-Mezclan una música muy vitalista con unas letras de contenido social y, en ocasiones, muy duras. ¿Han pensado en este contraste?

-Sí, es algo que existe desde nuestros inicios. Es algo que no podemos explicar, pero no queremos cambiar de ninguna manera. Marc escribe canciones tristes, pero luego las envolvemos de otra manera. Supongo que esa mezcla se hace extraña porque la música de baile y electrónica se asocia a algo festivo y de pasarlo bien y le introducimos un discurso que no termina de encajar dentro del género. Pero no podemos remediarlo [risas]

-Mañana tocan en A Coruña. ¿Seguirá la actuación lo visto en la gira o cambiará?

-No, desgraciadamente, será muy parecido porque estamos terminando nuestro tercer disco. No hemos tenido tiempo para hacer nada. Todavía sigue muy en la línea de los conciertos de la gira. Habíamos planteado algún intento de una nueva canción.

-¿Por dónde tira el disco?

-En términos generales es parecido al anterior. Base pop con canciones tarareables con sus estribillos, pero le hemos prestado mucha atención al sonido trabajando con un productor de música electrónica para las bases para hacerlo más redondo. También hemos trabajado mucho las voces, que es algo que no hemos hecho nunca. Empezamos a trabajar en el en mayo y saldrá en abril

Pop independiente con alma femenina

jueves, noviembre 27th, 2008

emmal-blog.jpgEmma Pollock !con una camiseta del grupo Nadadora!

La mujer como sujeto activo en la sociedad frente a la cosificación de la que fue presa en décadas anteriores. Esa fue la idea esgrimida por la concejala de Igualdad del Ayuntamiento de A Coruña, Margarida Vázquez, en la presentación de Mulleres Arte+Parte, que se celebrará este sábado en Expocoruña. A efectos prácticos y, despojándolo del carácter social que pueda tener el evento, el cartel viene a ser una colección de algunas de las mejores estampas del pop independiente del momento. Un ámbito, por cierto, en el que la mujer ha dejado de ser un complemento decorativo desde hace ya mucho tiempo,… si es que algún día lo ha sido.

Y es que, por ejemplo, la posible estrella principal, Emma Pollock, viene a ser la autora de algunas de las mejores canciones de la década. Su firma figura en los créditos de Hate, una auténtica joya de pop onírico y orquestado editada por The Delgados que, aún hoy, continúa siendo una plantilla maestra para decenas de grupos. Poco después, en el 2005, se disolvió esta bandas y editó en solitario Watch The Fireworks, un tratado de pop agridulce en el que se pueden intuir las melodías de las Supremes diluidas en folk y en el indie-rock de los noventa.

Además de la escocesa Emma Pollock, la nómina extranjera la completan Lucky Soul y Dead Pixels. Los primeros apuestan por una fórmula infalible, la de mezclar la Tamla Motown con el pop indie, muy en la onda de lo que vienen haciendo Camera Obscura o Belle & Sebastián. Los segundos, bastante menos conocidos por el público español, van por la vía del tecno-pop ochentero.

Pese a todo, los más populares de los citados son los catalanes Dorian. Su sencillo, A cualquier otra parte, se ha erigido en un auténtico himno del nuevo pop español, trascendiendo las lides del indie hacia audiencias mucho mayores con su adictiva mezcla de letras emotivas, melodías irresistibles y bases programadas. Estarán también Nadadora, discípulos confesos de The Delgados y Emma Pollock, y Souvenir, que abarcan del pop indie de los 80 desde la perspectiva francesa.

Dos miradas de un mismo momento

martes, noviembre 25th, 2008

-Tipo de 30 y pico años pesimista: La verdad es que, hoy en día, no hay grupos buenos como los de antes.

-Tipo de 30 y pico optimista: Eso significa que te has hecho viejo, suele ser el primer síntoma eso de andar siempre con el “cualquier tiempo pasado fue mejor”.

-Pesimista: Vale me he hecho viejo, lo que quieras, pero lo objetivo es lo objetivo. Te pongo datos. ¿Cuál es el supuesto mejor grupo británico del momento si te fijas en los medios? Franz Ferdinand, ¿no? ¿Y el americano? ¿The Killers? ¿Tú piensas que se puede comparar eso a los Stone Roses o los Pixies?

-Optimista: Son momentos diferentes. Depende de que cómo lo vivas. Si tuvieras 18 años seguro que verías a Franz Ferdinand de un modo diferente.

-Pesimista: Vale pero, ¿quién son mejores Stone Roses o Franz Ferdinand?

-Optimista: Eso no vale, es como si en el 89 te preguntaban ¿Quiénes son mejores Los Byrds o los Stone Roses? ¿la Velvet Underground o Sonic Youth? ¿Primal Scream o Sly & The Family Stone?

-Pesimista: No me líes, quienes ¿son mejores Franz Ferdinand o Stone Roses?

-Optimista: Bueno, vale, The Stone Roses

-Pesimista: es que es eso, ¿Dónde están los equivalentes actuales a My Bloody Valentine, Sonic Youth o Public Enemy? Yo creo que la vuelta de las leyendas indies es propiciada, en cierto, modo por eso. No me imagino en el año 1991 con resurrecciones de dinosaurios. ¿Quién iba a desear una resurrección de Young Marble Giants en 1991 teniendo lo que tenía el rock del momento? Entonces, incluso se ponía en duda la necesidad de que Bob Dylan o los Rolling Stones siguieran girando. !A ver quién es capaz de hacerlo hoy en día con el panorama que tenemos!

-Optimista: Insisto en que todo es cómo lo mires, con la edad en la que lo mires y en dónde los busques. Te pongo un ejemplo: ¿Para ti REM son un grupo fundamental?

-Pesimista: Por supuesto.

-Optimista: ¿Y qué piensas de Arcade Fire?

-Pesimista: Cabrón, ahí sí que me pillaste.

-Optimista: jejeje.

-Pesimista: Pero bueno, la excepción confirma la regla, que lo sepas.

-Optimista: ya, ya.


Arcade Fire “Intervetion” en directo en Glastombury

Christina Rosenvinge: “Mi nuevo disco habla de superar al amor”

domingo, noviembre 23rd, 2008

Un minuto y veinte segundos es lo que tarda Christina Rosenvinge en capturar el corazón del oyente con su nuevo álbum Tu labio superior. Ahí termina la primera línea del enredador estribillo de La distancia adecuada, una pieza de folk-pop preciosista que recuerda al mejor Nick Drake. La autora lo vio tan claro que la escogió como single: «Totalmente. Es una de esas canciones en que ves que se ha llegado al cien por cien de lo que podría ser. A veces no alcanzas la idea que tenías y te desvías. En esta sabía lo que quería perfectamente y los músicos lo entendieron muy bien. Por eso, para mí es la bandera del disco».

—Esa canción anuncia un adiós al pop frágil y quebradizo de sus últimos álbumes que se confirma luego en casi todo el disco. ¿Lo buscaba?

—Efectivamente, en discos anteriores escribía canciones que buscaban ser un poco inusuales. En este he recurrido a formatos más clásicos y un sonido más contundente. También al hecho de que las canciones fueran más directas, apoyándose mucho en las letras. La vuelta al castellano hace que sea un disco más comprensible.

—Las canciones de «Tu labio superior» hablan de superar el desamor. ¿Se podría decir que recogen la secuencia que va desde la ruptura de una relación al inicio de otra?

—Desde mi punto de vista no habla de la superación del desamor, sino de sobrevivir al amor, que tiene un matiz diferente. Las canciones se acercan de distinta manera a todo lo que ocurre cuando no estás en una situación estable emocionalmente. Y sí, claro que se toca ese tema.

—La parte más turbia del álbum es la que toca la monogamia. En «Eclipse» llega a decir: «Aquí está tu collar, te daré de comer, te sacaré a pasear».

—Bueno, en todo el disco aparece un cierto sentido del humor. En este caso de trata de un modo irónico de esa cierta lucha de poder que se da en las relaciones. Pero en este tema se habla de un caso contrario al habitual, de esas relaciones en las que nadie quiere el poder en realidad, en las que los dos quieren ir a remolque del otro.

—En esa canción exhibe una de sus señas de identidad: los susurros. ¿No se atreve a cantar a viva voz?

—Tengo mucha más voz de la que uso, pero cuando la empleo no me gusta. En general, me atraen más los cantantes que dicen que los que cantan. Creo que hay que tener una voz muy particular para poder hacerlo. En mi caso, para buscar una voz más mía y poder expresar las letras mejor, siempre ha sido cantando de ese modo suave.

—En este álbum se acompaña de dos astros del «indie-rock» americano: Steve Shelley (Sonic Youth) y Chris Brokaw (Come). Háblenos de ellos.

—Steve Shelley debe de ser mi relación musical más duradera. Desde hace diez años ha tocado en todos los discos que he grabado y, luego, los ha editado en su sello en Estados Unidos. A Chris lo conocí hace poco, en el festival Tanned Tin en Castellón. Tenía discos suyos y él míos. Estaba buscando una banda, pensé que él sería perfecto y aceptó.

—El toque tenso de Come queda reflejado en la citada «Eclipse». ¿Contribuyó Brokaw o fue accidental?

—Bueno, Eclipse nació como una canción que yo tocaba con el piano de un modo muy rítmico y que se fue deshaciendo en partes para todos los demás. Chris aportó su guitarra tipo spaguetti-western, pero en realidad todos pusieron algo muy propio. Puede que sea mi canción favorita, porque todos han hecho algo excepcional.

—Una canción particularmente bella es «Por la noche», un blues tradicional adaptado al modo de la Velvet Underground. ¿Cómo surge esa idea?

—Se la oí tocar a Chris Brokaw en el Tanned Tin con dos acústicas, como si fuera una canción tradicional americana. En vez de hacerla como un blues negro, la hacían de una manera muy blanca. Me enamoré de ella, le puse la letra en español y, basada en esa versión, hicimos esta otra.

—Empieza a girar, pero con una banda diferente de la que grabó el disco.

—Sí, pero espero que para febrero pueda hacerlo con todos los músicos que tocaron
en el disco.

Video de La distancia adecuada

REFERENCIAS DE CALIDAD Y MEDIAS A RAYAS

«Ya en la época de Álex y Christina mis cantantes favoritas eran Astrud Gilberto y Françoise Hardy», recuerda Christina Rosenvinge, que se mueve entre la perezosa dicción de la primera y el misterioso encanto de la segunda: «Me di cuenta de que podría ser cantante escuchándolas». ¿Y la eternamente referenciada Nico? «Sí, es cierto. En Estados Unidos lo dicen mucho, pero siempre he pensado que era por el acento de extranjera».

Sin embargo, dentro de las inercias de la crítica, por ahora no le ha caído la de PJ Harvey, referente máximo cuando se juntan conceptos como indie, guitarras y sexo femenino: «Bueno a mí me gustaría muchísimo —se ríe—, pero no estoy en el mismo sitio. Ella cuenta con una voz muy fuerte». En lo que sí coincide con PJ es en el gusto por la estética. Lo reconoce: «Es algo importante. Forma parte de lo que quieres decir. En este caso quería buscar un mundo muy femenino. Utilizamos una tipología para las letras de un libro del siglo XIX de tipografía inglesa, que no se puede encontrar en los ordenadores ». ¿Y la moda? ¿Acaso no fue ella la que hizo que todas las niñas de los ochenta se pusieran medias con rayas horizontales? «Me inspiraba en la moda inglesa, e hice un poco de abanderada. Reinventé cosas de la moda punk de ese momento. Me hace gracia jugar con ello, pero tampoco le doy mucho tiempo. Es muy complicado combinar comodidad y estilo para estar sobre editado».

Hoy kraut-rock en A Coruña

sábado, noviembre 22nd, 2008

Al final sí habrá Artec este año. De modo reducido y encuadrado en los actos del 800 aniversario de la ciudad, pero lo habrá. Y con una actuación que es un verdadero lujo: el dúo alemán Mussiccargo, una exquisita muestra de electrónica germana que bebe los vientos por el kraut-rock. Se trata este de un estilo de música experimental que tuvo lugar en la Alemania de los setenta con grupos como Can o Neu! y que, a día de hoy, sigue siendo uno de los puntos de encuentro más frecuentes entre los músicos inquietos.

«Los descubrí por un disco y se convirtieron en una fijación», explica Ricardo Ramos, coorganizador del evento junto a Juan de la Colina. «El kraut-rock es un estilo desnudo en la ciudad, que casi no se programa y era un reto hacer algo diferente. Mussiccargo no dejan de ser revival, pero yo creo que aportan algo personal y que será muy interesante para quienes acudan y, sobre todo, diferente a lo que habitualmente se puede ver en la electrónica de la ciudad».

Los que acudan esta noche a María Pita podrán disfrutar de su música obsesiva y analógica, que tiene un pie en el característico ritmo machacón de Neu! y otro en la sensibilidad pop de Kraftwerk. Todo ello será aderezado de visuales de Tektun.Tv. e introducido por el propio Ramos, que como DJ Fat Fish pinchará clásicos del géneros para caldear el ambiente.

El año pasado el festival se desarrolló en varias sesiones en la Fundación Luis Seoane, una conferencia y una gran fiesta en agosto. Ahora, sin embargo, se pasa a una única cita en la plaza de María Pita como el impulso a la candidatura de la Torre a bien patrimonio de la humanidad de fondo. «Solo será este año así, todo concentrado en unas pocas horas y en el centro mismo de la ciudad», subraya Ramos que adelanta que para el 2009 «hay buenas ideas, pero nada fijo».

Tras la actuación de Mussiccargo, la agrupación Graffiti Research Lab actuará en diferentes lugares de la ciudad. Irán en un triciclo pintando grafitis virtuales en la Domus, la Marina y, evidentemente la torre de Hércules: «La idea es que la gente se baje la bici y los acompañe en el recorrido que van a hacer y que cuantos más mejor».

Entrevista con los miembros de Graffiti Research Lab en La Voz

Una deuda pendiente en Galicia

viernes, noviembre 21st, 2008

Lo que era impensable en los noventa (la visita de los grandes nombres del pop independiente en Galicia), se ha convertido en realidad durante la década presente. Por aquí han pasado desde Tindersticks a Low, pasando por The Wedding Present o Lali Puna, entre muchísimos otros, elevando el nivel musical hasta límites inimaginables. Pero la nómina nunca esta completa. Siempre quedan espinas clavadas, deudas no resueltas que, poco a poco, se van saldadon.

No cabe la menor duda de que una de ellas tenía un nombre claro: Stereolab. Los británicos están considerados como una de las piezas indispensables del puzle del pop de los noventa. Paradigma máximo de la posmodernidad, su sonido juega con aleaciones de elementos aparentemente antagónicos que, en sus manos, logran fluir con armonía, tal y como demostrarán esta noche en Pontevedra dentro del recomendable ciclo Pecados que organizan los responsables de Sinsal.

La banda liderada por Laetitia Sadier y Tim Gane funde, por ejemplo, la rítmica obsesiva del kraut-rock en la calidez de la bossa-nova. También insertan la dicción marcial de Nico dentro la suntuosidad orquestal del lounge. Y son capaces de que el alma de Brian Wilson sobrevuele al de la Velvet Undergound. De ahí surge una alquimia sonora de la que brota pura magia.

Álbumes como Peng, Mars Audiac Quintet o, muy especialmente, Emperor Tomato Ketchup, son de los fijos en cualquier discoteca avispada que haya estado al tanto de lo mejor de los noventa. Y en esta década, aunque no hayan presentando grandes novedades, han seguido moldeando su estilo con obras tan logradas como el reciente Chemical Chords, que ahora presentan. Una cita absolutamente imprescindible.

Entrevista con Tim Gane en La Voz aquí


Video de Three Women, el single de su úlitmo álbum Chemical Chords

Esa encantadora sonrisa

lunes, noviembre 17th, 2008

Ocurre al llegar a la adolescencia. De pronto la guapa de la clase no te gusta, te gusta más aquella otra chica que, bueno, nadie se fija en ella pero te vuelve loco. No lo comentas, sabes que si lo dijeras probablemente te vacilarían. Y todo continúa siendo un pequeño secreto durante años. Pero vaya, pasado el tiempo, cuando se supone que ya tienes personalidad para exhibir públicamente las rarezas, lo comentas. “¿A ti también te gustaba?”, contesta uno de tus ya compañeros de Universidad. “Pero es que a mí también” dice otro y así, como un dominó que hace el recorrido completo hasta llegar a la conclusión: que en silencio todos los corazones apuntaban a la misma dirección.

Si me dijeran cuando tenía 15 años que Kim Deal, la bajista de los Pixies, había capturado tantos latidos no lo hubiese creído. Aquella contagiosa sonrisa, su dicción melancólica y semi infantil recordatoria de la de Mary Weiss (The Sangri-las) sus coros que se fundían con el gemido…todo aquello se convirtió en un icono, en uno de los mitos indies femeninos con mayor carisma que se hayan conocido. El estar frente al tirano gruñón de Black Francis realzaba aún más su encanto si cabe

Compuso apenas un puñado de temas para los Pixies, pero su modo de tocar el bajo y las pinceladas de su voz fueron clave (e insustituibles) en el sonido de la banda. Y bueno, su firma, figura en Gigantic para algunos la mejor canción del grupo. Escúchenla en este video y derrítanse, una vez más, con esa sonrisa, esa encantadora sonrisa.

Juanjo (Patachim, 14!) en La Voz

martes, noviembre 11th, 2008

Todos los lectores coruñeses y la mayoría de los gallegos de este blog se habrán dejado caer alguna vez (cuando no semanalmente) por el Patachim o el 14! Son dos de los puntos neurálgicos del ambiente indie de la ciudad, de esos de los que te enorgulleces por sentirlos como propios en cierta medida. Aún hoy continúan siendo la principal escusa para que muchos de los que superan la treintena sigan saliendo de copas los fines de semana.

El sábado pasado trajimos a las páginas de La Voz de Galicia a Juanjo, la persona que manejó los hilos musicales de todo aquello que, en su día, fue algo totalmente insólito, en una ciudad como esta, en su día abonada en lo musical casi en exclusiva al garage y los sonidos revivalistas. Como el contenido no se volcó a Internet hasta ayer, pues aquí queda para quien quiera recuperado y echar un poco la vista atrás.

Un mirada al Patachim
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Sin alarmas, sin sorpresas

lunes, noviembre 10th, 2008

El problema de la música es que a veces te quieres engañar a ti mismo y no, no funciona. No te dejan. Aparece uno de tus artistas favoritos y te canta las cuarenta en tus propios oídos con una bonita melodía. Y lo peor: solo describe la situación no la juzga, exactamente como tú decías que deberían siempre ser las cosas. Pero que ahora, vaya, no permite un contrataque de esos de “esto es todo demagogia, seguro que este está forrado”.

Ok Computer, el cuarto álbum de Radiohead editado en 1997 iba un poco de eso. O más bien un mucho: una radiografía precisa y con mucha tendencia a lo precioso de un momento en el que no quedaba más remedio que abrir los ojos y aceptar que todo es, efectivamente, así. “Me perdí a mi mismo”, “Un airbag salvó mi vida” o “Aplastado como un bicho en el suelo” son algunas de las líneas de un disco su que habla de desazón, de máquinas y de un servilismo con tímidos arranques de rebeldía que no van a ningún lado.

De todos sus temas hay uno especialmente emotivo. No Surprises, el último aliento antes de entrar en esa vida, sí en la que juraste mil veces que nunca ibas a entrar. Una canción bellísima y traicionera con su envoltorio de nana que, finalmente, suena como un pedazo de hielo penetrando lentamente en el alma.

“Un corazón lleno como un vaciadero de basura,
un trabajo que mata lentamente,
contusiones que no se curan.
Te ves tan cansado e infeliz,
derroquemos al gobierno,
ellos no, no hablan por nosotros.
Elijo una vida tranquila,
un apretón de manos de monóxido de carbono.

Sin alarmas y sin sorpresas,
Sin alarmas y sin sorpresas,
Sin alarmas y sin sorpresas,
Silencioso silencio.

Este es mi último exabrupto,
mi último dolor de estómago.

Sin alarmas y sin sorpresas,
Sin alarmas y sin sorpresas,
Sin alarmas y sin sorpresas, por favor.

Qué casa tan bonita,
y qué bonito jardín.

Sin alarmas y sin sorpresas,
Sin alarmas y sin sorpresas,
Sin alarmas y sin sorpresas, por favor”