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Entradas para la categoría ‘Arte’

La última creación de Frank Gehry: lámparas con formas de peces

jueves, noviembre 7th, 2013

La Galería Gagosian de Londres exhibe estos días la última creación de Frank Gehry, unas lámparas con formas de peces con evidente vocación escultórica. Fabricadas en alambre de metal, formica ColorCore, silicona y una base de madera, se trata de unas piezas “plenas de fantasía y vigor”, según explican en la web del centro, que mantendrá la muestra hasta el 21 de diciembre. Las lámparas presentan figuras de peces individuales o en grupos de hasta ocho; unas se asientan sobre pedestales, otras son apliques de pared y otras cuelgan como candelabros elaborados. Estas criaturas artificiales, que simulan estar en movimiento, emiten una luz cálida, subrayada por las texturas orgánicas, en una “simbiosis espiritual de material, forma y función”.

Para el autor del Guggenheim de Bilbao, el pez es la forma pefecta. Gehry comenzó a experimentar con las lámparas en 1984 y desde entonces esta figura marina se ha convertido en un clásico de su iconografía. Todo comenzó con un encargo de la Formica Corporation, que quería crear objetos con un nuevo laminado plástico denominado ColorCore. El arquitecto, conocido ya por sus trabajos de mobiliario para la mítica firma Knoll (sus famosas Easy Edges y Experimental Edges, sillas y mesas talladas en bloques de cartón ondulado industrial), se inspiró en las escamas del pescado y diseñó unos armazones de alambre que cubrió con el material requerido. En esta nueva serie el uso del ColorCore es más audaz, las piezas más grandes y cada escultura, hecha a mano, única.

 

El abecedario de Jaume Plensa

jueves, noviembre 4th, 2010

R.UNIDO-ESCULTURA

He aquí una exposición que podría traerse a Galicia, en vez de costear onerosísimos museos de no se sabe qué, obras faraónicas o conciertos de dinosaurios del rock como los que acostumbran a patrocinar nuestras autoridades todos los veranos. Me refiero a la que acogerá el parque escultórico de Yorkshire (Inglaterra) en septiembre del 2011, una gran muestra del trabajo del español Jaume Plensa.

Plensa expondrá obras de los últimos diez años, entre ellas la titulada Casa del conocimiento (arriba), una pieza de 8 metros de altura que forma parte de una serie de esculturas en las que el cuerpo humano se convierte en arquitectura. Formada por letras de diversos alfabetos _hebreo, árabe, griego, cirílico, chino, japonés, hindi y latino_, desde dentro de la pieza los visitantes pueden ver cómo se transforma el paisaje exterior.

Nacido en Barcelona en 1955, Plensa es uno de los escultores con mayor relevancia internacional. Uno de sus trabajos más conocidos es The Crown Fountain, una espectacular fuente futurista situada en el Millenium Park de Chicago, compuesta por dos grandes torres de ladrillos de vidrio sobre las cuales se proyectan vídeos con residentes de la ciudad. Monumentalidad, capacidad de sorprender, sensorialidad e interacción son algunos de los atributos de este artista con mayúsculas.

Damien Hirst, el gran plagiador

viernes, septiembre 3rd, 2010

damien_181547a

Ahora resulta que Damien Hirst, además de vago, es un copión. Charles Thomson, artista y fundador de los Stuckistas, grupo militante activo a favor del arte tradicional y crítico con el premio Turner, cita en un artículo publicado en la revista de arte Jackdaw hasta quince casos evidentes de plagio ejecutados por el enfant terrible del arte conceptual británico.

Entre las obras de Hirst que recibieron inspiración pretérita figuran los anaqueles con medicinas que comenzó a exhibir en 1989 y su instalación Farmacia, de 1992. “Joseph Cornell presentó ya en 1943 un pequeño armario con botellas en los anaqueles que bautizó Farmacia“, denuncia Thomson.

Otros artistas que han acusado a Hirst de plagio son el británico John LeKay, que en 1987 presentó una crucifixión con un cadáver de cordero, idea que le copió luego Hirst. LeKay también se adelantó a Hirst con sus cráneos engarzados con joyas (foto de arriba, a la izquierda). A su vez, la estadounidense Lori Precius afirma que comenzó en 1994, varios años antes que Hirst, a hacer rosetones con alas de mariposas disecadas.

Más información en The Guardian

La araña del Guggenheim

martes, junio 1st, 2010

ESPAÑA-LOUISE BOURGEOIS

Yo pensaba que era una obra única, pero ahora que acaba de fallecer su autora, la artista francesa Louise Bourgeois, resulta que hay arañas como esta en varias partes del mundo: en el barrio Roppongi de Tokio (Japón), sobre la tumba del pintor James Ensor en el cementerio de Oostende (Bélgica), en Bilbao y, probablemente, en algún sitio más.

Nacida en París en 1911, Bourgeois estudió en varias academias de arte y recibió la influencia de Fernand Léger, Joan Miró, Marcel Duchamp y André Breton, entre otros, que la inclinaron hacia el surrealismo. En 1938 se casó con el historiador de arte norteamericano Robert Goldwater y se instaló en Nueva York, nacionalizándose estadounidense en 1951. A partir de los 60 se centró en la escultura en metal, realizando grandes instalaciones sobre sexualidad, familia y sociedad.

Maman (Madre), que es como se titula la escultura de arriba, es una muestra expresionista del atormentado interior de esta artista. A mí, cuando paso por debajo, siempre me recorre un escalofrío al contemplar la siniestra bolsa de huevos que esconde la gigantesca araña de bronce.

Más ocurrencias en Londres

lunes, mayo 24th, 2010

R.UNIDO-ARTE

Dentro de esa fiebre de ocurrencias artísticas que últimamente padece Londres se enmarca la obra que ha inaugurado el anglo-nigeriano Yinka Shonibare, nada menos que en la plaza de Trafalgar de la capital británica. Se trata de una enorme botella de cristal dentro de la cual descansa una réplica a escala del buque HMS Victory, el barco a bordo del cual el almirante derrotó en 1805  a una coalición franco-española frente a las costas de Cádiz.

“Con esta obra trato de reflejar la relación entre el nacimiento del Imperio Británico y el contexto multicultural de la actual sociedad británica”, subraya Shonibare. Su obra ocupará temporalmente el cuarto pilar de la plaza, que debía haber soportado una estatua ecuestre de Guillermo IV, pero que quedó finalmente vacío por falta de fondos y desde 1999 muestra periódicamente obras de artistas contemporáneos. Lástima que en esta ocasión (y a pesar de la crisis) no se quedasen también sin dinero.

Arte y ocurrencias

miércoles, mayo 5th, 2010

doris_salcedo2

La escultora colombiana Doris Salcedo ha ganado el Premio Velázquez de Artes Plásticas 2010, dotado con 125.000 euros, por “la madurez de su trayectoria” y la “calidad” de su obra, según el jurado del premio, que concede el Ministerio de Cultura español. Uno de sus trabajos más sonados fue una brecha abierta en el suelo de la sala de turbinas de la Tate Modern de Londres, con la que quiso simbolizar las divisiones del mundo, lo que ella misma calificó de “grieta de la Humanidad”.

A mí me ha llamado la atención la similitud de alguna de sus obras con las de Ángela de la Cruz, la finalista del Premio Turner. Me refiero a esas composiciones de muebles arrumbados, como la que encabeza este post y que De la Cruz también expuso en la Lisson Gallery de Londres. Como dijo un colega, estas artistas van a tener un problema con los plagios: cualquiera puede coger una cómoda o unas sillas viejas, ponerlas contra una pared y decir que es “un Salcedo” o un “De la Cruz”. Es lo malo de confundir el arte con las ocurrencias.

La ministra de Cultura destacó ayer que Doris Salcedo es “una de las artistas más importantes del panorama internacional” (gran aportación) y apostilló: “Si a ello se une que es mujer, mejor”. O sea, que ahora resulta que el arte puede tener más valor si está hecho por manos femeninas. Sin comentarios.

La grieta de Doris Salcedo en la Tate Modern

Ángela de la Cruz, finalista del Premio Turner

martes, mayo 4th, 2010

REINO UNIDO-ARTE

Ángela de la Cruz, una coruñesa de 45 años, se ha convertido en la primera artista española que opta al Premio Turner de arte contemporáneo, y por lo poco que he podido chequear tiene todas las papeletas para ganarlo.  Compite con los británicos Susan Philipsz, autora de instalaciones sonoras a las que aporta su propia voz; el pintor Dexter Dalwood y el dúo de videoartistas The Otolith Group.

Las nominaciones sirven también, de alguna manera, para reconocer al MARCO de Vigo, que programó en el 2004 una exposición sobre De la Cruz, y que recientemente albergó una instalación sonora de Philipsz dentro de la muestra colectiva Espejos.

El trabajo de Ángela de la Cruz, que lleva más de veinte años afincada en Londres, se basa en la distorsión de los cuadros, que rompe, rasga y dobla para presentarlos como esculturas. Los lienzos se transforman en algo así como contenedores de restos para reciclar.

Como ya he dado otras veces en el blog mi opinión sobre el arte conceptual, esta vez dejaré que juzguen los lectores:

Exposición en el Camden Arts Centre

Exposición en la Lisson Gallery

Exposición en el MARCO

Obras a la venta en artnet

Jeff Koons correrá en Le Mans

miércoles, abril 7th, 2010

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El fabricante alemán de automóviles BMW impulsó en 1975 una iniciativa por la cual destacadas figuras del arte decoran uno de sus vehículos más deportivos. El primero en hacerlo fue Alexander Calder, en un BMW 3.0 CSL y posteriormente participarían en el programa Roy Lichtenstein, Andy Warhol, Robert Rauschenberg y David Hockney, entre otros.

El último en sumarse a la iniciativa es el artista estadonidense Jeff Koons, quien presentó en Nueva York un adelanto de su diseño sobre un BMW M3 GT2 que correrá en junio las 24 Horas de Le Mans. Koons pintará sobre la carrocería una especie de collage digital con líneas de fuerza multicolores que le dan al coche un aspecto de velocidad, energía y dinamismo. Según explicó, está inspirado en lo que sucede cuando un avión rompe la barrera del sonido.

BMW Art Cars. Galería

Un loco en el Reina Sofía

martes, marzo 30th, 2010

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El Museo Reina Sofía de Madrid inaugura mañana la primera exposición dedicada en Europa al artista mexicano Martín Ramírez, quien murió en 1963 en el DeWitt State Hospital de Auburn (California) tras pasar tres décadas recluido en hospitales, psiquiátricos y sanatorios mentales.

Ramírez nació en 1895 en Los Altos de Jalisco. Se casó, tuvo cuatro hijos y trabajó como granjero antes de emigrar a California, a mediados de los años 20. En 1931, a raíz de la Gran Depresión, se quedó sin empleo, la policía lo detuvo y, ante sus notables lagunas mentales y verbales (era incapaz de comunicarse), fue ingresado en un hospital, donde le diagnosticaron una esquizofrenia catatónica incurable.

En 1948 le trasladaron al DeWitt. Allí, en una sala que compartía con decenas de hombres _indigentes, tuberculosos, perturbados_ empezó a dibujar en todo lo que encontraba: notas de enfermería, papel de liar, revistas, periódicos, hojas de cuadernos, sábanas de papel para camillas… Utilizaba ceras aplastadas, lápices de colores y pintura de base acuosa que aplicaba con ayuda de un palillo. Para unificar o difuminar utilizaba un depresor lingual.

Realizó cerca de 450 dibujos, que exponía a veces en la puerta del porche del pabellón, colgados de las bisagras. En la década de los 50, un psicólogo clínico interesado en arte, el doctor Tarmo Pasto (foto de arriba, mostrando junto a Ramírez uno de sus trabajos), quedó impresionado, recopiló su obra y empezó a difundirla a través de sus contactos universitarios.

En los dibujos se aprecia la prodigiosa capacidad de Ramírez para plasmar sus recuerdos mexicanos, el paisaje norteamericano y otros elementos como animales, figuras ecuestres o el ferrocarril, con una técnica dominada por fuertes trazados, meticulosas repeticiones y extraordinarias variaciones dentro de los mismos temas.

Martín Ramírez. Marcos de reclusión.

La arroba es arte

miércoles, marzo 24th, 2010

arroba

El MoMA de Nueva York ha incluido en su colección permanente el símbolo de la arroba, utilizado en la actualidad sobre todo en las direcciones de los correos electrónicos. “Se trata de una adquisición memorable, que nos llena de gozo y orgullo”, explica en el blog del museo la comisaria jefe del Departamento de Arquitectura y Diseño del MoMA, Paola Antonelli.

Antonelli destaca el carácter conceptual de la nueva “obra de arte” y recuerda que “el arte contemporáneo, la arquitectura y el diseño pueden tomar manifestaciones inesperadas, desde códigos digitales a direcciones de Internet. El uso del símbolo de la arroba se remonta a los siglos VI o VII, y fue el ingeniero Ray Tomlinson quien la utilizó para crear la primera dirección de correo electrónico en 1971.

“Tomlinson acometió un poderoso acto de diseño que no sólo cambió el significado y la función de la arroba, sino que también se convirtió en una parte importante de nuestra identidad en la relación y la comunicación con nuestros semejantes”, indica la experta del MOMA.